Сообщение музыкальные традиции русского народа. Русские народно-песенные традиции. Русская композиторская школа XIX века

Русскую музыку 19 века принято делить на два периода: до появления великого композитора , то есть, примерно до 1830-1840 годов, и после.

До – эпоха раннего романтизма , или «до – глинкинская»,
после в русской музыке наступает классический период .

Русская музыки 19 века — «до – глинкинская» эпоха

В начале века в русской музыке царило смешение двух стилей – классицизма и романтизма. В первой половине 19 столетия произошли такие масштабные для России события, как Отечественная война, восстание декабристов; в обществе распространялись идеи Великой Французской революции, произошедшей незадолго до этого. Все это не могло не отразиться на культуре страны. В литературе появляются , В.Ф. Одоевский, в живописи – В музыкальной культуре России 19 века также слышны отголоски , который по-настоящему захлестнет страну с приходом М.И. Глинки.

Основные жанры и направления

Самыми популярными течениями в русской музыке 19 века были:

«городская» песня. Окончательно сформировывается к 19 веку. Чаще всего такие песни рождались из простой гитарной импровизации безымянных любителей на стихи поэтов (например, «Вечерний звон», «Чем тебя я огорчила»).
запись и обработка народных напевов. В конце 18 века В.Трутовский выпустил сборник русских народных песен. Ими заинтересовались практически все жители столицы, после чего стало появляться множество музыкальных произведений в народном стиле («Вьется ласточка сизокрылая»).
камерно-вокальная музыка с примесью русского фольклора , исполняемая на музыкальных домашних вечерах. Под влиянием романтизма появляется русский романс (особенно популярны были романсы А.А. Алябьева («Соловей») и А.Е. Варламова («Ах, ты, время-времечко», «Вдоль по улице метелица метёт»)) и созданный на его основе цыганский романс, в котором не требовался профессиональный вокальный голос и замысловатый аккомпанемент (например: «Твои глаза зелёные»).

Также был ещё жив такой музыкальный жанр, как водевиль – легкая пьеса с куплетами. В музыкальной культуре России «до-глинского» периода были особенно популярны водевили:

А.А. Шаховского («Любовное зелье», «Беглец от своей невесты»)
Ф.В. Булгарина («Разговор в царстве мёртвых», «Похождения Митрофанушки на Луне»),

однако каждый молодой дворянин считал своим долгом сочинить хотя бы раз в своей жизни водевильную пьеску для бенефиса какого-нибудь актера.

В театрах исполнялись преимущественно итальянские и французские оперы. В русской опере преобладали былинные мотивы; однако уже было заметно влияние романтизма (А.Н. Верстовский, например, часто использовал в своих произведениях романтические сюжеты – обращение к эпохальному прошлому).

Начало классического периода русской музыки — М.И. Глинка

С появлением Михаила Ивановича Глинки, основоположника композиторской школы в России, в русской музыке 19 века начался настоящий подъем. Его музыкальные произведения пропитаны народными мотивами, в них присутствует тот самый Пушкинский «русский дух». Кроме великолепных вокальных произведений и симфоний, композитор создал две оперы (одни из самых выдающихся за всю историю музыки): «Жизнь за царя» (1836) и «Руслан и Людмила»(1842). Оба этих произведения пронизаны сильнейшим патриотическим и русским началом, ведь М.И. Глинка сам сказал:

«В музыке должны присутствовать интонации и даже целиком мелодии народной музыки той национальности, к которой принадлежит автор».

Так, в опере «Жизнь за царя» в образе простого крестьянина Ивана Сусанина М.И. Глинка показал всю силу и мощь русского народа. Самое главное новаторство оперы заключалось в том, что главным героем музыкального произведения стал мужик, крепостной. Неудивительно, что великосветское общество невысоко оценило оперу, однако многие классики литературы (например, ) были её настоящими поклонниками.

В эпической сказке с яркими романтическими мотивами «Руслан и Людмила» Глинка ещё дальше отошел от традиций французских и итальянских опер, поэтому и это музыкальное произведение не было встречено с восторгом. Тем не менее, именно после этих произведения русская музыка была признана во всем мире, а М.И. Глинка по праву признан основоположником музыкальной классики в России.

Русская музыка второй половины 19 века

Во второй половине 19 века музыка становится более доступной для разных слоев населения.

Открываются Московское и Петербургское отделения Императорского русского музыкального общества, постоянно проводящие доступные всем музыкальные собрания,
В Петербурге создается бесплатная музыкальная школа,
Основываются консерватории – вначале в столицах (возглавляли их братья Рубинштейны), а концу века и в других городах.

Становятся популярными новые музыкальные жанры – симфонические циклы, симфонии (первая симфония (фа-мажор) была создана А.Г. Рубинштейном в 1859, но она не получила широкой популярности; более известна его симфония номер 2 до-мажор под названием «Океан». Настоящего расцвета в русской музыке этот жанр достиг в творчестве Римского-Корсакова и .

Композиторские школы 19 века в России

Также в стране в 19 веке формируются две крупнейшие композиторские школы:

Первая – Новая русская школа в Петербурге , позже В.В. Стасов назовет её .

В нее входили Главным своим наставником и учителем они видели М.И. Глинку, а главной целью – воплощение национального начала в своих музыкальных произведениях. В то время очень сильны были революционные идеи; вся интеллигенция размышляла над проблемами крестьян, сами же крестьяне устраивали бунты и восстания. На этом фоне и появилась «Могучая кучка» с её идеями национального, духовного, народного богатства. Тщательно собирая русский фольклор, они старались передать в операх всю силу народного духа.

Вторая – московская школа;

возглавлял её П.И. Чайковский, и в нее входили А.А. Алябьев, С.И. Танеев, А.Е Варламов и другие.

Если петербургская композиторская школа стояла за эпичность в музыке, то московской школе русских композиторов были более свойственны лирические произведения. Например, природа, пейзаж у П.И. Чайковского всегда изображен через призму человеческих чувств, у композиторов « кучкистов» природа, скорее, сильный, полноправный герой, не имеющий ничего общего с человеком. Таких различий много, однако, самое главное – они относились к разным временным эпохам.

Московская школа представляла эпоху уходящую, «век минувший»,
Петербургская же (или «новая русская», как её называли) заключала в себе все, что было свойственно «веку нынешнему».

Антагонизм этих двух школ повлиял на творчество не только их приверженцев, но и тех композиторов, которые не причисляли себя ни к той, ни к другой школе.

Исполнительское искусство 19 века

Что касается исполнительского искусства, в России очень многое поменялось в течение этого периода. До него распространено было лишь любительское домашнее музицирование (об этом уже говорилось выше), к началу же 20 века музыкальные произведения стали исполняться в огромных залах оперных театров, стали формироваться отечественные школы игры и пения и открываться высшие учебные заведения.

Музыкальные инструменты

Одно из главных изобретений 19 века – механизм вентилей для духовых инструментов, с помощью которого возможности духовых музыкальных инструментов стали гораздо шире; появились новые инструменты – например, туба и флейта-пикколо. Кроме того, то пианино, на котором мы играем сегодня, было изобретено в то же время в Америке и сразу же приобрело небывалую популярность и в России.

Подведем итог.

В русской музыкальной культуре 19 века произошел настоящий подъем, сформировалась национальная музыкальная школа, и отечественных композиторов признал и начал уважать весь мир.

Вам понравилось? Не скрывайте от мира свою радость - поделитесь

Еще Аристотель утверждал, что с помощью музыки можно определенным образом влиять на формирование человека и что музыка способна оказывать известное воздействие на этическую сторону души. Великий врачеватель древности Авиценна называл мелодию "нелекарственным" способом лечения наряду с диетой, запахами и смехом.
В III веке до нашей эры в Парфянском царстве был выстроен специальный музыкально-медицинский центр. Здесь музыкой лечили от тоски и душевных переживаний.

У египтян была священная музыка, домашняя и военная. Для концертов священной музыки употреблялись лира, арфа и флейта, для празднеств - гитара, свирели, кастаньеты; войска в течение службы пользовались трубами, тамбуринами, барабанами.
Пифагор учился музыке в Египте и сделал музыку предметом науки в Италии. Получив сокровенные знания о божественной теории музыки, Пифагор основал науку о гармонии сфер, утвердив музыку как точную науку. Известно, что пифагорейцы пользовались специальными мелодиями против ярости и гнева. Они проводили занятия математикой под музыку, потому что заметили, что она благотворно влияет на интеллект.

Среди проблем сегодняшнего дня, связанных с музыкальным воспитанием юношества и молодежи, педагогов волнует проблема легкой, развлекательной музыки и того места, которое эта музыка занимает в жизни юных поколений. В чем же заключается эта проблема, каковы возможные пути ее решения?

Интерес подростков и молодежи к легкой, развлекательной, особенно танцевальной музыке - явление само по себе столь естественное, что делать из него проблему равносильно тому, чтобы превращать в проблему саму молодость. Трудно представить себе девушку или юношу, не способных веселиться, не любящих потанцевать, не понимающих ни прелести озорной шутки, ни очарования лирической грусти!

Анализ результатов социологического исследования показал, что приобщение молодежи к музыкальной культуре осуществляется стихийно, неуправляемо. Обнаруживая тягу к музыке, молодые люди часто подражают модным стилям западной рок-музыки, зачастую не понимая смысла произведения. Возникает социальная дезорганизация, то есть состояние общества, когда культурные ценности, нормы и социальные связи отсутствуют.

Под звуки современной "попсы" коровы ложатся и отказываются есть, растения быстрее вянут, а человек загромождает свое жизненное пространство хаотическими вибрациями. Западные медики ввели в свой лексикон новый диагноз - "музыкальный наркоман". Швейцарские ученые доказали, что после рок-концерта побывавшие на нем слушатели реагируют на природные раздражители в 3-5 раз хуже, чем обычно. Профессор Б. Раух утверждает, что прослушивание рок-музыки вызывает выделение так называемых стресс-гормонов, которые стирают значительную часть хранившейся информации в мозгу. Американские врачи во главе с ученым Р. Ларсеном утверждают, что повторяющийся ритм и низкочастотные колебания бас-гитары сильно влияют на состояние спинно-мозговой жидкости, и как следствие, на функционирование желез, регулирующих секреты гормонов; существенно изменяется уровень инсулина в крови.

Т.Э. Тютюнникова говорит, что в современном мире существует великое множество разнообразной музыки, у каждой есть свое место и предназначение, есть свои слушатели и исполнители, свои учителя и своя педагогика. Есть высокая музыка, художественная ценность которой общемировая, - ее произведения величественны, как горные вершины, возвышаются над миром людей; есть примитивная, она исчезает раньше, чем ее успеваешь заметить. Есть музыка высокодуховная и одновременно очень простая. Это древнейшая, первичная музыкальная стихия, элементарная по своей природе.

Современная ситуация в жизни нашего общества существенно отличается от той, которая была характерна для второй половины ХХ века. Пошатнулись устои культуры. Произошла определенная переоценка ценностей в сознании людей, особенно у молодежи, которая не имея стабильного идеологического «сопровождения» по мере своего взросления, теряет духовные ориентиры.

Важнейшее направление школьной музыкальной работы - подготовка учащихся-подростков к самостоятельному знакомству с высокой музыкой, к музыкальному самообразованию. Помогая ученику изменять обстоятельства, при которых происходит его приобщение к музыке, делать эти обстоятельства более «человечными», гуманизированными, без чего музыкальное воспитание просто не состоится, учитель-музыкант, руководитель внеклассного музыкального коллектива способствуют и становлению благотворных внутренних изменений духовной культуры подростков, приобретающих в условиях приобщения к музыке опыт действенного, «практического» гуманизма.

В своей работе с учащимися VIII классов я исхожу из следующего предположения: чтобы в ходе обучения музыкально развить подростков, приобщить их к музыкальному самообразованию и самовоспитанию, необходимо решить следующие основные задачи:

раскрыть позитивные представления о связи музыкального искусства с жизнью человека и общества и всеми доступными художественно-воспитательными средствами развивать у подростков готовность к самостоятельному участию в музыкальной жизни сверстников и взрослых;
вооружить подростков эстетически необходимыми, прочувствованными и актуальными для самообразовательной деятельности музыкальными знаниями и умениями;
сформировать их оценочные суждения о месте, значении и возможностях музыкального искусства в развитии духовной культуры, в проектировании гуманных отношений между людьми;
вызывать у подростков эмоциональный положительный отклик на высокохудожественные образцы музыки, развивать их стремление к эстетическому анализу музыкальных произведений, вдумчивому, эмоциональному, насыщенному, многократному и разностороннему их воспитанию;
пробудить их стремление к музыкальному самообразованию.

В тематике восьмого класса красной нитью проходит мысль о традициях и новаторстве в современном искусстве. Убедительным примером синтеза традиций и новаторства может служить опера А.Рыбникова «Юнoнa и Авось». «Современная опера», как ее назвал сам композитор, опирается на глубокие традиции классической музыки и использует все новые достижения современного музыкального языка.

К традициям мы можем отнести трактовку роли увертюры оперного спектакля как краткого конспекта, использование классических жанров (ария, речитатив, хор), деление оперы на музыкальные сцены (сцена молитвы, сцена бала), система лейттем (Лейттема судьбы, любви, Пречистой девы), полифонический способ развития - финал.

Новаторство заключено в трактовке жанра оперы - рок-опера, которая соединяет в себе черты классической оперы, мюзикла и рок-музыки.

Что же в рок-опере от мюзикла? .

1. Обращение к литературным первоисточникам (А.Вознесенский), спасающее сюжет от Банальности.
2. Переплетение "вечных тем" со злободневными проблемами.
3. Переплетение романтического (любовь графа Резанова и Кончитты) и трагического (рок, судьба).
4. Соединение современной и классической музыки (русская духовная музыка).
5. Музыка - активное действующее лицо.
6. Упрощение музыкальных жанров до песни, баллады ("Баллада о белом шиповнике").
7. Хор - как характеристика окружающей среды, как действующее лицо - "танцующий хор" - вследствие чего хоровая партия значительно облегчена.
8. Манера пения, близкая к бытовому исполнению, как бы "между прочим" (ритмическая неточность, мелодическая неточность - "невыпевание мелодии", хрип, крик).
9. Зрелищность, картинность, эффектность постановки.

Что же вносит в оперу рок-музыка?

1. Главенствующее значение ритма.
2. Предельная насыщенность звучания.
3. Острота, обнаженность высказывания, что приводит к «антимузыкальной» манере пения.
4. Состав оркестра - электронные музыкальные инструменты, синтезаторы.

Теперь проанализируем образный строй оперы.

В рок-опере «Юнoнa и Авось» Алексея Рыбникова две судьбы - два образа. Судьба графа Николая Петровича Резанова - это образ, олицетворяющий верность долгу и служение Отечеству. Судьба дочери губернатора Сан-Франциско Кончитты - светлый образ верной возлюбленной. Их темы своеобразно представлены в лаконичной увертюре, которую традиционно можно назвать «кратким конспектом», предсказанием судеб Кончитты и Резанова. Образы сотканы из звукоизобразительных интонаций: удары корабельного колокола-рынды символизируют звон погребального колокола на смерть графа Резанова: погибшего во славу Российского отечества; стонущий, завывающий, плачущий звук - вечные слезы и ожидание Кончитты.

Развитие образов судьбы главных героев продолжается в "Романсе морских офицеров" (стихотворение А.Вознесенского "Сага"). Рефреном романса звучат две фразы: "Я тебя никогда не забуду, я тебя никогда не увижу". Стоит обратить внимание на видоизменение эти фраз в романсе:

Ты меня никогда не забудешь
Ты меня никогда не увидишь (Кончитта)

Я тебя никогда не забуду

Возвращаться плохая примета.
Я тебя никогда не увижу (Резанов)

Я тебя никогда не забуду
Я тебя никогда не увижу (Кончитта)

3 и 4 куплеты - смысловая кульминация - смерть помешает графу увидеться со своей возлюбленной, она же будет ждать графа 35 лет, после чего даст обет молчания и уйдет в монастырь. В сцене прощания эта мысль звучит определенно, так как рефрен разделяется:

Граф: Я тебя никогда не увижу.

Кончитта: Я тебя никогда не забуду.

Но в судьбе Н.П.Резанова есть одно таинственное предчувствие, котopoe вселил в него "взгляд Казанской божьей матери". В сцене молитвы есть такие слова:

Меня по свету гонит страшный бред.
Душой я болен с отроческих лет,
Когда на мне остановился взгляд
Казанской божьей матери!
Увидел в ней не Вседержительницу Деву,
А женщину с вишневыми глазами.
Хотелось защитить ее, спасти!

Важная тема оперы – человек и Отечество: верность долгу, честное служение Отчизне. Эта тема необычайно злободневна и современна: скольких верных сынов «Родина» считает «изгоями», «блудными сынами», сколькие из них остались ее «погибшими замыслами»! А. Солженицын, А. Сахаров, А. Галич, В.Высоцкий, А. Тарковский, ребята-афганцы…

Беглый анализ содержания рок-оперы «Юнона и Авось» А. Рыбникова подсказывает выбор фрагментов, позволяющих познакомиться с главными темами произведения.

Тема судьбы: увертюра, романс морских офицеров, сцена прощания.

Тема любви: сцена бала (знакомство), «ожидание», эпилог «Аллилуйя».

Многогранность оперы будит ассоциации с другими произведениями искусства.

Музыка: С.Рахманинов «Всенощное бдение»; П.Чайковский Увертюра-фантазия «Ромео и Джульетта», Э.Григ «Песня Сольвейг»; И.С.Бах - Марчелло «Концерт для клавира» ре минор, 2 часть.

Литература: Стихи о любви Р.Бернс; В.Высоцкий «Баллада о любви».

Изобразительное искусство: русская иконопись (Богоматерь с младенцем, «Казанская божья матерь»), К.Васильев «Ожидание».

Свое понимание и отношение к рок-опере Рыбникова «Юнона и Авось» учащиеся смогут выразить в домашнем задании: сочинении или рисунке, темы которых они выберут сообразно своими интересам и привязанностям. Домашнее задание может стать своеобразным тестом в определении жизненной позиции, глубины чувств и серьезности мыслей. В.А. Сухомлинский говорил: «Музыка – могучий источник мысли. Без музыкального воспитания невозможно полноценное умственное развитие ребенка».

Все мои мысли и усилия направлены на то, чтобы вырастить творчески мыслящих любителей музыки, чтобы именно музыка стала важнейшей духовной потребностью, чтобы современный молодой человек стал творцом, мыслителем, активным созидателем новой жизни.

Литература:

1. Амонашвили Ш.А. Размышления о гуманной педагогике. М., 1996.
2. Амонашвили Ш.А. Антология гуманной педагогики. Кабалевский. М., 2005.
3. Безбородова Л.А., Алиев Ю.Б.Методика преподавания музыки в общеобразовательных учреждениях. М., «Академия», 2002.
4. Кабалевский Д.Б. Воспитание ума и сердца. М., «Просвещение»,1981.
5. Сухомлинский В.А. Сердце отдаю детям. Минск, «Народна освета», 1981.
6. Тютюнникова Т.Э. Музыка – не научная дисциплина. //Начальная школа. №1, 2000., С.79.

Пение, трактуемое как один из древнейших видов музыкального искусства, не сразу стало таковым. Оно всегда было и остается связанным с первичной и органически присущей человеку потребностью в эмоциональном выражении. И этой исконной человеческой потребностью в не меньшей мере, чем непосредственной социальной необходимостью, обусловлено исключительное место, занимаемое пением в культуре человечества.

Исследуя причины, порождающие пение, Н. Чернышевский писал:«Пение первоначально и существенно, подобно разговору, — произведение человеческой природы, а не произведение искусства». Это замечание справедливо в том плане, что первым и главным музыкальным инструментом, полученным человеком от природы, был его голос. И певческим он стал под влиянием чувства, как результат спонтанного, непроизвольного самовыражения, которое определяется и формируется общей интонационной атмосферой конкретной эпохи. И в этом смысле любое пение есть поведение, которому обучаются.Как часть фольклорной традиции, пение может быть и искусством и не искусством. В фольклоре все возникает, развивается и функционирует в органической взаимосвязи со всеми элементами жизни народа: с его историческим, социальным и трудовым опытом, его бытом, нравами, обычаями, с его мировоззрением, этическими и эстетическими представлениями.

Поскольку фольклор является одновременно искусством и не искусством, общение его носителей осуществляется как в форме эстетических, так и вне эстетических связей, хотя их баланс на разных стадиях истории фольклора и в различных видах, жанрах фольклора не одинаков. Само это коллективное творчество тесно связано с трудом и бытом, со всей жизнедеятельностью народа и составляет часть целостного комплекса социализированных норм взаимоотношений. Знание их дает возможность услышать традицию изнутри и оценивать по ее собственным законам.

Предлагается следующая типология форм общения в фольклоре, основанная на определении характера и функций связей, образующихся в процессе песнетворчества:

Общение в процессе художественного творчества, непосредственно связанное с трудовой деятельностью. Поющих и одновременно работающих людей объединяют общие положительные эмоции и коллективное эстетизированное отношение к труду.
Общение в процессе художественного творчества, опосредованно связанного с трудовой деятельностью в формах мифологического мышления и соответствующего ему ритуального воспроизведения процесса труда или иного магического воздействия на силы природы. Этот тип общения, объединяющий в одно целое комплекс понятий: человек – труд – природа, реализуется в календарно-обрядовом фольклоре, в трех основных формах: а) как прямое ритуальное общение с силами природы; б) как общение с символическими обрядовыми фигурами типа Коляды, Масленицы; в) как общение с помощью живого медиатора, жреца.

Песенный фольклор остается живым, процессуальным явлением пока сохраняются свойственные ему формы общения внутри творящего его коллектива, и перестает им быть, как только эти формы уступают место другим. Он перестает быть продуцирующим процессом и становится прекрасным памятником народного творчества, материалом для профессионалов.

В свете сказанного особое значение приобретают знания закономерностей народного исполнительства, понимание природы фольклора, которые необходимы для тактичного, обоснованного отбора и интерпретации репертуара, определения оптимальной меры его художественного оправданной адаптации на сцене.

Для исполнителей важно понимание фольклора не только как художественного текста, но и как живого исполнительского процесса со всей его спецификой бестекстового общения, художественной фактуры и жанров исполнения.

Пение и песня в народной жизни всегда открыты для всех. Такая «вместительность», «невыделенность статуса поющего» обеспечивается удивительной гибкостью традиции. В одном певческом собрании удобно чувствуют себя разные люди, обладающие различной степенью таланта и мастерства. Каждый поет прежде всего для себя, реализуя свое «Я». При этом художественное сотворчество становится целью общения, коллективное пение – актом не только музыкальным, но и поведенческим, многоголосная песня – выявлением не только музыкальной интонации, но и человеческих взаимоотношений.

Смысл совместного музицирования для носителей песенных традиций заключается не только в согласовании вокальных партий, а в нечто большем, в глубинных взаимоотношениях поющих людей, для которых не существует четкой грани между «музыкальным» и «немузыкальным», эстетическим и неэстетическим, закономерным и случайным.

Поэтому фольклор всегда творится как бы заново. Спонтанность присутствует даже тогда, когда люди поют хорошо знакомую им песню. Неизбежно возникающие при этом «неожиданности» — суть не дефекты пения, а его природное свойство, его внутренняя жизнь, его смысл.

Л.В. Шамина

«Основы народно-песенной педагогики»

Русская музыка XIX в. – это яркая и блистательная эпоха в развитии музыкальной культуры. Она связана с формированием национальной композиторской и исполнительской школы, имеющей мировое значение. Приобщение к лучшим музыкальным достижения Западной Европы благотворно сказалось на общем характере её развития, а самобытность и оригинальность во многом определяло следование народным традициям. В XIX в. сложились новые жанры вокальной и симфонической музыки. Большие успехи были достигнуты в оперном искусстве. Творчество таких замечательных русских композиторов, как М.И.Глинка, М.П. Мусоргский, А.П. Бородин, Н.А.Римский - Корсаков, П.И.Чайковский, вошло в сокровищницу мировой музыкальной культуры.

Романсы «Не искушай»; «Сомнение»; «Не пой, красавица, при мне»; «Я помню чудное мгновенье». Симфоническая музыка «Камаринская»; «Арагонская хота»; «Ночь в Мадриде»; Русская национальная опера «Жизнь за царя» («Иван Сусанин»). Опера-сказка «Руслан и Людмила».

М.А. Балакирев (1836 – 1910); Ц.А. Кюи (1835 – 1918); А.П. Бородин (1833 – 1887); М.П. Мусорский (1839 – 18810; Н.А. Римский- Корсаков ().

Организатором и идейным вдохновителем этого дружного союза, созданного в конце 1850 годов, стал Милий Алексеевич Балакирев – замечательный пианист и композитор, сумевший объединить вокруг себя не только любителей музыки, но и талантливых исполнителей и композиторов. Его незаурядные способности, превосходные исполнительские и артистические данные, разносторонние музыкальные познания и острый, проницательный ум приводили в восхищение и обеспечивали ему незыблемый авторитет.

М.А. Балакирев – автор многих замечательных произведений. Им созданы музыка к трагедии «Король Лир», симфонические поэмы «Тамара» на стихи М.Ю. Лермонтова, «Русь» и «В Чехии», «Испанская увертюра», «Увертюра на темы трех русских песен». Для фортепиано, своего любимого музыкального инструмента, он создал восточную фантазию «Исламей», навеянную впечатлениями от путешествия по Кавказу. Сорок романсов, сонаты, мазурки, ноктюрны и вальсы, сборники русских песен являются лучшим достижениями композитора.

Творческое наследие композитора довольно обширно: 14 опер, в том числе «Сын мандарина» (1859), «Вильям Ратклифф» (по Генриху Гейне, 1869), «Анджело» (на сюжет драмы Виктора Гюго, 1875), «Сарацин» (по сюжету Александра Дюма- отца, 1898), «Капитанская дочка» (по А. С. Пушкину, 1909), 4 детские оперы; произведения для оркестра, камерных инструментальных ансамблей, фортепиано, скрипки, виолончели; хоры, вокальные ансамбли, романсы (более 250), отличающиеся лирической выразительностью, изяществом, тонкостью вокальной декламации.Сын мандарина 1859Вильям Ратклифф Генриху Гейне 1869Анджелосюжет драмы Виктора Гюго 1875Сарацин Александра Дюма- отца 1898Капитанская дочка А. С. Пушкину 1909 фортепиано скрипки виолончели романсы

Алексей Порфирьевич Бородин, будучи крупным ученым – химиком, отдавал все свое время научным исследованиям. По его собственному признанию, сочинять музыку ему приходилось лишь в период болезни. Музыкальное творческое наследие композитора невелико, но существенен вклад развитие русской музыкальной культуры. Произведения Бородина составляют славу и гордость отечественной музыки. Три симфонии; 15 романсов на стихи русских поэтов; Единственная опера «Князь Игорь»

Необозримо и уникально творческое наследие Модеста Петровича Мусоргского, одного из выдающихся русских композиторов XIX в. Его недолгая жизнь была отмечена яркими произведениями в области симфонической и оперной музыки. Окончив школу гвардейских прапорщиков, он отказался от блестящей военной карьеры и в 1858 г. вышел в отставку с единственной мыслью – всецело посвятить себя музыке. Один за другим он создает целый ряд музыкальных шедевров, знаменующих собой новую эпоху в истории музыкального искусства.

Яркая страница русской музыкальной культуры XIX века. Связана с творчеством Николая Андреевича Римского – Корсакова. Начало его музыкальной карьеры было блистательным. В 1867 г. он пишет симфоническую картину «Садко» по мотивам известной новгородской былины. Через год композитор пишет симфоническую картину «Антар» на сюжет арабских народных сказок. Позднее, в 1888 г., Римский – Корсаков вновь обратился к восточным мотивам в сюите «Шехеразада» по средневековым арабским сказкам из известного сборника «Тысяча и одна ночь»

Оперы «Псковитянка», «Царская невеста», «Сказание о невидимом граде Китеже и деве Февронии», «Снегурочка», «Сказка о царе Салтане», «Золотой петушок», «Кащей Бессмертный», «Майская ночь», «Ночь пред Рождеством», «Моцарт и Сальери»; Около 80 романсов («Ненастный день потух», «Не ветер, вея с высоты», «Редеет облаков летучая гряда»)

Всего 53 года вместила жизнь выдающегося русского композитора Петра Ильича Чайковского (1840 – 1893), а в обширном списке созданных им произведений десять опер, три балета, девять программных симфонических произведений, концерты, квартеты, музыку к драматическим спектаклям, более ста романсов и множество других сочинений. Чайковскому принадлежат слова: «Вдохновение – это гостья, которая не любит посещать ленивых; она является к тем, которые признают ее».

Чайковский сумел обрести свой неповторимый и оригинальный стиль, определивший его особе место в истории мировой музыкальной культуры. В области симфонической музыки он разработал жанр программной симфонической поэмы («фантазии», или «увертюры – фантазии»). Значительное место в творчестве Чайковского занимают оперы. Лучшие оперные произведения композитора – «Евгений Онегин» и «Пиковая дама». Сказочно – романтическим светом озарена балетная музыка П.И. Чайковского, в которой он выступает не только как блестящий реформатор, но и как первооткрыватель. Музыкальный критик Г.А. Ларош писал: «По музыке «Лебединое озеро» – лучший балет, который я когда – нибудь слышал….»

Введение

1. Песенная культура России в 19 веке

2. Русская композиторская школа

2.1 Михаил Иванович Глинка

2.2 Александр Сергеевич Даргомыжский

2.3 «Могучая кучка»

2.4 Петр Ильич Чайковский

3. Русская музыкальная культура начала 20в.

Заключение

Список литературы

Введение

Россия в 19в. сделала огромный скачок в развитии культуры, внесла неоценимый вклад в мировую культуру. Это было предопределено рядом причин. Культурный подъем был обусловлен процессом формирования русской нации в период перехода к новым капиталистическим отношениям, ростом национального самосознания. Еще один фактор, способствовавший интенсивному развитию русской культуры, - это тесное взаимодействие с культурами других стран и народов. Большое влияние на культуру России оказала западноевропейская общественная мысль. Русское общество воспринимало передовые достижения культур европейских стран, При этом сохраняя самобытность своей национальной культуры. В развитии национальной культуры начинает принимать активное участие интеллигенция. В начале эта прослойка общества формировалась из среды дворян и духовенства, но уже в 18в. появляются разночинцы, а в начале 19в. - крепостная интеллигенция (актеры, художники, архитекторы, музыканты, поэты). В 18 - первой половине 19 века главная роль в культурном развитии принадлежит дворянской интеллигенции, во второй половине 19 века - разночинцам. К разночинцам относились образованные представители либеральной и демократической буржуазии, чиновники, мещане, купцы и крестьяне. Именно поэтому в 19в. в России происходит процесс демократизации культуры. Увеличивается число писателей, поэтов, художников, композиторов, ученых из непривилегированных сословий.

В этом реферате я попытаюсь дать общую характеристику музыкальной культуры России 19 - начала 20вв., проследить истоки и преемственность русского музыкального искусства. Нужно подчеркнуть важность изучения истории культуры, так как настоящее зиждется на прошлом. Даже самые революционные музыкальные произведения современности испытывают либо прямое, либо косвенное влияние прошлого. Задача реферата - проанализировать состояние музыкальной культуры России 19 - начала20 века, выявить ее особенности, рассказать о композиторах этого времени и их произведениях, а также выяснить значение русской музыки того периода для мировой культуры.

1. Песенная культура России в 19 веке

В 19 в. русские композиторы большое внимание уделяли изучению фольклора, считали народную музыку источником вдохновения. Они собирали народные песни и часто использовали их в своих произведениях. Появляются новые музыкальные жанры, старые формы (обиходные песни, песни на тему скитаний, сатирические песни) трансформируются под влиянием новых жизненных условий, меняется характер образов и интонационно-выразительных средств. В бытовой народной песне получают отражение крупные общественно-политические события общенациональной важности. Широко отразилась в народной песне Отечественная война 1812 г. До нас дошел цикл песен о 1812 годе, связанных с устной фольклорной традицией. По своему содержанию и музыкально-поэтическим формам они очень разнообразны. Эта война стала причиной появления лирических песен, запечатлевших глубокую народная скорбь, печаль, горе, вызванные бедствиями Родины, разорением родного края, гибелью близких.

Русская народная песня приобрела большую популярность, распространялась во множестве оригинальных обработок - для хора, голоса с сопровождением и отдельных инструментов. В 1806 - 1815 годах несколько раз переиздается сборник Прача. На его основе создавались песенные сборники общедоступного типа.

Большую известность приобрел Данила Кашин, выходец из крепостных крестьян, создал много обработок народных песен. В 1833-1834 гг. был издан его сборник «Русские народные песни» в трех частях. В сороковых годах сборник был переиздан, что говорит о его популярности.

Иван Рупин так же собирал крестьянские песни, подвергал их обработке, для его работ характерен синтез народно-песенных и городских романсных интонаций. Его фамилию современники произносили с итальянским окончанием - Рупини, что свидетельствует о его известности. В 1831г. издан его песенный сборник. Одновременно с бытовыми переложениями народной песни развивается лирический сентиментальный романс. В этом жанре простота средств сочетается с непосредственностью и душевностью выражения. Большое значение в эволюционировании русского романса 19 века имели композиторы Алябьев, Варламов, Гурилев, Верстовский.

Александр Александрович Алябьев (1787-1851) был родом из дворян. Служил в армии, участвовал в Отечественной войне 1812г. Уйдя в отставку, посвятил себя творчеству. Алябьев - автор популярных романсов: «Я вас любил», «Зимняя дорога» (оба на стихи А.С. Пушкина), «Соловей» и других. «Соловей» - одна из наиболее известных песен Алябьева. Всё в ней просто и в тоже время искренне. Песне предшествует фортепианное вступление. С первых же интонаций вокальной партии развертывается пленительно плавная, задумчивая мелодия. Она сразу же покоряет своей одухотворенностью.

Композитор Александр Егорович Варламов (1801-1848) - автор популярных романсов. Он создал более ста произведений этого жанра, большей частью на стихи русских поэтов («Красный сарафан», «Вдоль по улице метелица метёт», «На заре ты её не буди», «Белеет парус одинокий» и др.). Варламов проявил себя также как певец, дирижёр, гитарист и педагог. Его перу принадлежит учебное пособие для певцов - «Полная школа пения» (1840 г.).

Александр Львович Гурилёв (1803-1858) был сыном крепостного музыканта. Композитор, пианист, скрипач, альтист и педагог, Гурилёв известен как автор песен и романсов. Наиболее известны его песни «Матушка голубушка», «Колокольчик», «Сарафанчик», «Вьётся ласточка» и романсы «Разлука», «Вам не понять моей печали». Помимо вокальной лирики композитор работал в жанрах фортепианной музыки, собирал и обрабатывал народные песни.

Творчество Алябьева, Варламова и Гурилева - бесценный вклад в сокровищницу русской музыки. Их песни и романсы до сих пор входят в концертный репертуар певцов, хоров и исполняются обычными людьми.